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¡Hola a todos! Nosotras somos Alba, Conchi, Blanca y Cristina, alumnas de 3º Grado en Educación Primaria en la Universidad Francisco Maldonado de Osuna.  En la asignatura de Educación de las Artes Visuales y Plásticas hemos realizado este blog que trata sobre la instalación artística.

Date una vuelta por nuestro blog y empápate de todo lo que quieres saber sobre la instalación artística, opina y ¡comparte en tus redes sociales!

MAPA CONCEPTUAL

En el siguiente enlace podreis ver el mapa conceptual que hemos realizado en donde podran ver los puntos que hemos tratado en el blog: 

https://cmapscloud.ihmc.us/viewer/cmap/1QVV246R3-S9S9VG-5M6S

DEFINICIÓN

Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1960. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. La instalación artística es una forma de desarrollar arte contemporáneo utilizando directamente el espacio de una exposición; la obra es transitable por el espectador y éste puede interactuar con ella.

OBJETIVOS

La instalación artística tiene los siguientes objetivos:

• Impactar al espectador.     
• Tener un medio de expresión.      
• Excitar todos los sentidos.   
• Generar ambientes.

ORÍGEN Y EVOLUCIÓN

Las instalaciones son un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de los 60 con el fin de catalogar un amplio número de obras que no encontraban clasificación bajo el orden tradicional de las categorías artísticas.

El arte llegó a un momento en su evolución en el que ni la pintura ni la escultura satisfacían las necesidades de los artistas. Sin embargo, a través de las instalaciones, estos podían expresarse utilizando una gran variedad de técnicas en la creación de sus obras que, además, permitían la participación del espectador.

Los orígenes de este movimiento se encuentran en el artista francés Marcel Duchamp, quien, a través del Ready-Made, utilizaba objetos cotidianos para sacarlos de contexto y llevarlos a un ámbito artístico. Asimismo, sus orígenes también están ligados al Arte Conceptual de la década de los 60, en el cual la idea de la obra prevalecía sobre sus aspectos formales y, en muchos casos, la idea era la obra en sí misma.

Para elaborar sus obras, los artistas comenzaron a utilizar materiales de todo tipo, incluso las luces y el sonido se convirtieron en elementos imprescindibles para el arte de la instalación artística.

En los inicios, las instalaciones eran normalmente creaciones temporales y formaban parte del moderno movimiento que trataba de desechar la idea del arte como objeto coleccionable. Sin embargo, hoy en día, muchas instalaciones artísticas son realizadas para exposiciones permanentes y muchas de ellas han sido compradas y vendidas como obras de arte tradicionales.

HÍSTORIA

Surge en la época 1960 incorpora cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Utilizan directamente el espacio de exposición, la obra es transitable por el espectador y este puede interaccionar con ella. Por lo general, el término se aplica a espacios interiores. Considerando que las intervenciones exteriores son llamadas a menudo Land art; sin embargo, se superponen los límites entre estos términos.

El género incorpora una muy amplia gama de materiales cotidianas y naturales, que a menudo son escogidos por sus cualidades evocadoras, así como de los nuevos medios de comunicación, como vídeo, sonido, performance, y el internet. Muchas instalaciones son específicas del sitio en que están diseñados para que sólo existen en el espacio para el que fueron creados, comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970.

Inician este movimiento Marcel Duchamp usando objetos cotidianos resignificados como obra artística, otros Helio Oiticica, Bruce Nauman, Joseph Beuys, Daniel Buren, Wolf Vostell, Nam June Paik, Marcel-Broodthaers o Antoni Muntadas.
Obras de arte de instalación han sido construidas en los espacios de exposición, como museos y galerías, así como público – y espacios privados. Los artistas por lo general incorporan el espacio de demostración, tomando este espacio como un elemento más de la obra, sean estos espacios públicos museos, galerías de arte o espacios urbanos diversos.
Puede incluir cualquier medio, materiales naturales hasta los últimos medios de comunicación (video, sonido, internet, plasmas). Algunas instalaciones son sitios específicos de arte sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.

La importancia cuando se experimenta el arte de instalación, apunta hacia el descuido de la teoría de la imagen platónica tradicional. En efecto, toda la instalación adopta el carácter de simulacro o estatua defectuosa: deja de lado cualquier forma ideal en favor de optimizar su apariencia directa frente al observador. La instalación opera completamente dentro del ámbito de la percepción sensorial, en un sentido “instalar” al espectador a un sistema artificial que apela a su percepción subjetiva como su fin último.

MOVIMIENTOS ANTECESORES

• MONO-HA. Se lleva a cabo a finales de los sesenta e inicios de los setenta. Es un movimiento artístico contemporáneo japonés que se centra en las relaciones entre los materiales y las percepciones más que la expresión o la intervención. Trabajan sus obras con materias primas, materiales simples y naturales que apenas manipulan. Uno de los artistas más importantes de este movimiento es Lee Ufan. Comparte características del movimiento Land Art, Fluxus y el arte conceptual. Su objetivo era simple, hacer “cosas” juntos en la medida de lo posible en su estado natural. Algunos expositores de este movimiento son: Nobuo Sekine, Ufan Lee, Yoshida Katsuro, Koshimizu Susumu, Enokura Koji, Suga Kishio, Takayama Noboru y Narita Katsuhiko.

• SUPPORT SURFACE. En 1970 por Vincent Bioulès. Es un movimiento pictórico que surge en Francia alrededor del 1966, dedicado a la pintura y la escultura. Este término fue propuesto por Vicent Bioulès. Otro nombre por el que se conoce es Nuevo Reduccionismo. Algunos expositores de este movimiento: François Rouan, Marc Devade, Louis cane, André Valansi, Claude Viallat y Vicent Bioulès.

• NEO DAD. Surge a finales de los años 50 y principios de los 60. Es un movimiento que surge como reacción al arte del expresionismo abstracto, creando un arte opuesto a este, aunque sin ser frío y despersonalizado, continua con los principios del surrealismo, pero llevados a otra escala, a otro nivel y lenguaje artístico. Continúa los principios del surrealismo, pero llevados a otra escala. El movimiento neo dadaísta innova con otros materiales. La temática es extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas… Los artistas más representativos son Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

• JUNK ART. Surge en los años 50 como movimiento americano. con reacción al idealismo del Expresionismo Abstracto. Su pionero fue L. Alloway. Su interés por el objeto de consumo le convirtió en antesala del Por Art. Era similar al "arte basura". Era similar al Collage L. Alloway. Algunos de los principales artistas del Junk Art. Son Chamberlain, Stankiewics, Di Suvero, Samaras, Dine, Oldenburg, César, Kaprow y Grooms.

CARACTERÍSTICAS

Basándonos en autores como Lemarroy (2004), las instalaciones artísticas se caracterizan principalmente por los siguientes aspectos:

• Se pueden presentar en cualquier espacio y este mismo espacio puede dar cabida a la creación de otro espacio. Como Lemarroy (2004) expone en su tesis, una instalación depende del espacio y de cómo estén colocados los elementos que la forman, y no es posible hacer una recreación exacta de ella, lo cual le aporta una cualidad efímera. Por otro lado, no se trata de una obra de arte de carácter comercial, aunque los elementos que la compongan puedan serlo.

• Se exhibe por un tiempo determinado. Las instalaciones tienen una duración determinada, después esta se desmonta y solo se puede recordar a través de la documentación (fotos o vídeos) que confirmen su existencia. Es decir, puede ser temporal o permanente.

• Las instalaciones están basadas en la técnica del Ready-made que consiste en sacar un objeto del contexto que le es habitual y situarlo en otro contexto para darle otra utilización estética.

• La instalación no está completa si no integra al espectador. Las instalaciones están creadas para que el propio espectador participe en ellas y forme parte de las mismas. Es por esto por lo que ninguna instalación debe ser igual a otra, ya que es el propio individuo quien la completa en función de lo que le transmita la obra.

• En el arte de la instalación, los artistas pueden hacer uso de cualquier medio o material, pueden utilizar desde componentes naturales y tradicionales hasta luces, sonidos, sensaciones térmicas o los más novedosos medios de comunicación.

• La instalación presenta obras tridimensionales, específica del sitio, diseñados para transformar la percepción de un espacio.

• Motivan la percepción sensorial en cualquiera de los sentidos, ya sea vista, oído, gusto, tacto u olfato; o despiertan emociones, sentimientos o reflexiones. Donde en todo ello da plena cabida la idea o significado que da el artista y lo que individualmente siente cada espectador frente a la obra. Aunque está claro que no sea su intención elemental, muchas instalaciones se caracterizan por incitar rápida y fácilmente asombro, espectacularidad o polémica.

ARTISTAS

Aquí podremos observar a los artistas más importantes que realizan instalaciones.

ARTISTAS Y EJEMPLOS DE INSTALACIONES

• Claes Oldenburg (1929) es un escultor sueco, pionero del Pop Art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos y de crear ambientes. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros. Algunas de sus obras son The Home (1974) en la que comenzó una versión de objetos ordinarios que fueron configurados colosalmente y El ratón geométrico, creado a 5 escalas. 

• Marcel Duchamp (1887) es un artista francés. Se inició en pintura en 1908. En escultura fue pionero en el arte cinético y el arte ready-made. A partir de 1936 fabrica una especie de «museo portátil», una caja-maleta con la reproducción en miniatura de lo que él mismo consideraba lo más relevante de su obra. Su Rueda de bicicleta, es uno de los primeros ejemplos de arte cinético.

 

• Yves Klein (1928) fue un artista francés considerado como una importante figura dentro del movimiento neodadaísmo. La mayoría de sus primeros trabajos eran pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. Aunque Klein empieza trabajando con los monocromos a mediados de los 50, acaba por rechazar el pincel porque lo consideraba un medio excesivamente psicológico, pasando a trabajar de forma directa con el cuerpo de las mujeres o, como él les llamaba, "pinceles vivos". Esas antropometrías mantenían la distancia entre el creador y su obra. En ocasiones, las antropometrías se transformaban en performance.

• Allan Kaprow (1927-2006) fue un artista estadounidense pionero en el establecimiento de los conceptos de arte de performance. Ayudó a desarrollar las instalaciones artísticas y los happenings a fines de los años cincuenta y sesenta. A su vez, su obra influye en Fluxus, el arte de performance y la instalación artística.

• Alex Chinneck (1984) es un artista británico. Usa métodos contemporáneos de fabricación, Chinneck encuentra aplicaciones nuevas y ambiciosas para materiales de construcción cotidianos, la saca de su contexto funcional para crear instalaciones lúdicas. Creando trabajo que es indiferente a las disciplinas creativas sus esculturas e instalaciones conviven a través de los reinos de arte, diseño y arquitectura. Su obra más reciente es Vauxhall Motors en donde Chinneck cuelga el nuevo Vauxhall Corsa en el aire mientras este permanece todavía unido a la carretera en el Southbank Centre de Londres. El encargo de Vauxhall crea una ilusión gracias a las barras de acero ocultas que soportan la sección curva de asfalto donde se encuentra el coche colgado.

• Gabriel Dawe es un artista mexicano que crea instalaciones coloridas hechas a base de hilo posicionado de tal manera que explora diversas perspectivas y profundidades. Su obra, que está influenciada profundamente por la cultura y el folclor mexicano, ha sido expuesta internacionalmente. Inspirado por la obra del escultor Anish Kapoor, Gabriel Dawe comenzó a trabajar con hilo de una manera repetitiva y obsesiva para retar las ideas que existen sobre el machismo. En abril de 2012, presentó la exhibición The Density of Light (La Densidad de la Luz) en la galería Lot 10 en Bruselas, esta fue la primera exposición individual del artista y recibió excelentes críticas dándolo a conocer internacionalmente. El artista explica que el sitio donde crea la instalación dialoga con el hilo para que juntos provocan una reflexión.

• Gerda Steiner y Jörg Lenzliner son artistas suizos. Sus instalaciones mezclan lo natural con lo sintético, y encadenan lo espontáneo con lo historiado. Basado igualmente en fantasía como en alegoría, sus redes de jardines cayentes y adiciones de cristal ofrecen mundos maravillosos interactivos. Pero como con cualquier buen cuento de hadas, ellos incluyen una capa de maleza oscura. Cada proyecto específico a su sitio funde objetos descartados, material de plantas, soluciones químicas, sueños, y milagros investigados para formar plataformas narrativas de juego encantado. Siempre vivas, sus redes circulares forman organismos de organización y valor mutables, extendiendo los límites de creencia a finales inspirantes o críticos. Una obra característica 'Falling Garden', en donde consiguen crear una especie de lluvia o cascada a través de distintos elementos como flores, semillas o pequeñas esculturas.

• Doris Salcedo es una escultora colombiana. Su trabajo responde en cierta manera a la situación política en Colombia. Utiliza a menudo muebles en sus esculturas, eliminando su naturaleza familiar y dándoles un aire de malestar y horror. en la Octava Bienal de Estambul de 2003 presentó una instalación compuesta de una acumulación de 1600 sillas llenando el espacio entre dos edificios, situados en el viejo barrio de Karakoy, barrio comercial y obrero donde se concentran negocios de ferretería y pequeños talleres.

• Boltanski es un artista multidisciplinar conocido principalmente por sus instalaciones, aunque también ha desarrollado la fotografía, el cine y la escultura entre otros. Podemos relacionar con el arte povera, aunque no se vinculase a este movimiento, creó en Reserva Canadá (1988) una instalación de pared compuesta por ropas con luces de neón entre ellas. Los vestidos sustituyen y simbolizan a personas y la acumulación de prendas nos invita a pensar en sus portadores, gente probablemente desaparecida o fallecida. Las reservas son distintos tipos de instalaciones que elaboró desde los sesenta y en este caso cuidó también el tratamiento plástico de las luces que iluminan las ropas. La colocación de las prendas rojas está bastante pensada, como lo haría un pintor.

AUTORES ESPAÑOLES

• Juan Hidalgo (1927-2009) es un artista español. Su primera formación fue musical, pero su interpretación abierta del hecho creativo le convierte en un artista multimedia que se mueve libremente por el mundo de la música, la poesía y la plástica, a través de sus libros, escritos, composiciones musicales, arte postal, acciones y performances, arte objetual, acciones fotográficas, etc. La versatilidad de los soportes atestigua la primacía de lo conceptual en una poética que se despliega con humor, sexo, ironía y desmitificación. Destacamos la obra “Lanas” que se trata de hilos de lana de los que cuelgan cascabeles, los cuales se podrían mover con cualquier movimiento. Esta era la principal idea del autor para que se enredaran y crearan sonidos. Esta pieza se creó en 1972 y estaba expuesta en una exposición temporal en el Museo Reina Sofía de Madrid.

  

  
  
• Jaume Plensa (Barcelona, 1 de enero de 1955) es un artista plástico español, escultor y grabador. Artista muy polifacético que ha experimentado también con el dibujo, escenarios para ópera, video proyecciones o instalaciones acústicas. Es conocido por sus grandes esculturas formadas por letras y números.

• Jorge Oteiza (1908-2003 San Sebastián) fue un escultor español. Se le considera uno de los máximos exponentes de la Escuela Vasca de Escultura. En la localidad navarra de Alzuza, la Fundación Museo Jorge Oteiza guarda en un edificio diseñado por Francisco Javier Sáenz de Oiza la colección personal de Oteiza, quien la donó a la Fundación que lleva su nombre, en la que interviene el Gobierno de Navarra; está compuesta por 1650 esculturas, 2000 piezas de su laboratorio experimental y su biblioteca personal, además de una extensa presencia de dibujos y collages.

• Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924) fue un escultor español conocido por sus trabajos en hierro y en hormigón, destacado continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso.

• Juan Muñoz es uno de los artistas contemporáneos españoles que ha logrado el reconocimiento internacional y cuya obra figura en los museos más importantes del mundo. Era un escultor figurativo y jugando con la arquitectura y la escultura, lo real y lo ilusorio, Juan Muñoz se dio a conocer internacionalmente a mediados de los años 80. La importancia internacional de Juan Muñoz llegó a mediados de los ochenta, gracias a una serie de instalaciones que situaban la figura humana en entornos arquitectónicos concretos, pero falsos.

• Daniel Canogas, es un artista español. Su trabajo se basa en un punto medio entre el humanismo y la ciencia, explorando con nuestros sentidos se adaptan al nuevo espacio temporal electrónico y sus constantes avances tecnológicos. El eje central de sus obras pasa por la fotografía, empleando diversos soportes translúcidos como los cables de fibra óptica o el metacrilato, dándole forma así a sus instalaciones, con una gran creatividad plástica.

• Otros artistas españoles son: José Luis Alexanco, Carmen Laffon, José Luis Díaz de Rábago.

TIPOS SACADOS A PARTIR DE LAS EXPOSICIONES

Desde sus inicios, las instalaciones se han planteado los límites de la obra de arte, están ligadas a la reflexión sobre el museo, el mercado y los espacios expositivos y vinculan la creación a un lugar específico, otorgando valor a ese espacio y constituyéndose en él.

Ilya Kabakov distinguió tres tipos de instalaciones: las pequeñas (tipo repisas), las adosadas a la pared cubriendo parte del suelo y las totales, que utilizan el espacio de manera completa. Las salas de entrada o espacios previos dan significación a estas obras: si estas se encuentran en medio del museo, se producirá un contraste absoluto, quizá, entre un espacio puede que lujoso y una instalación pobre; estos choques de significados son deliberadamente buscados por el artista.